Gute und ungewöhnliche Nachricht gibt es für alle Exlibris-Freunde aus Portugal. Am 24. September nimmt nach kurzer Sommerpause die Academia de Portuguesa de Ex-Libris ihre Ausstellungs- und Sitzungstätigkeit wieder auf. Aus Anlass des 100. Jahrestages der Entdeckung des Grabs von Tutanchamun im Tal der Könige in Luxor-Theben durch Howard Carter, die einen an sich wenig bedeutenden Pharao des Neuen Reichs zu einem Superstar der Moderne katapultierte und eine zweite Welle der Ägyptomanie auslöste, die letztlich bis heute anhält, widmet sich die Akademie, teilt Klaus Rödel von der FISAE mit, in der Ausstellung „Egyptomania, Sphinges and Pyramids“ des Architekten Segismundo Pinto dem Thema. Der Ausstellungseröffnung um 15 Uhr folgt die Konferenz „Tutanchamun in Portugal. Berichte in der portugiesischen Presse (1922–1939). Archäologie, Ägyptomanie, Ägyptologie“ unter der Ägide von Professor José das Candeias Sales und Dr. Susana Mota. Es laden ein die Präsidentin der Academia, Ana Cristina Martins, Vizepräsident José Estevéns Colaço und Generalsekretärin Madalena Ferreira Jordão. 

(André Schinkel/Pressemitteilung)

Die internationale Ausstellung für Designer-Buchbinder findet vom 7. Juli 2022 bis 25. Februar 2023 im Vereinigten Königreich und in Schottland statt. Sie stellt die Gewinner des Internationalen Buchbinderwettbewerbs 2022, A Gathering of Leaves, vor, ein Projekt der Gesellschaft der Designer Bookbinders in Zusammenarbeit mit Mark Getty und den Bodleian Libraries (Oxford).

Die Ausstellung zeigt die besten Arbeiten der Buchbindekunst der ganzen Welt. Es handelt sich um sind 28 preisgekrönte Beiträge und weitere 48 herausragende Beiträge zum Thema „Pflanzen, Flora und Gärten“. Das Thema ist inspiriert von dem Wunsch, den 400. Jahrestag der Gründung des Botanischen Gartens von Oxford zu feiern, dem ältesten Botanischen Garten Großbritanniens und eines der ältesten wissenschaftlichen Gärten der Erde.

Die Jury bestand aus: Lester Capon, Präsident und Fellow of Designer Bookbinders, Glenn Bartley, Fellow of Designer Bookbinders und Leiter der königlichen Buchbinderei auf Schloss Windsor, Rachel Ward-Sale, Fellow und ehemalige Präsidentin von Designer Bookbinders, sowie Chris Fletcher, Keeper der Spezialsammlungen an der Bodleian Library und Fellow am Exeter College, Oxford.

Zu Ehren des Bibliophilen und eines begeisterten Anhängers der Buchbinderkunst Sir Paul Getty KBE (1932–2003) werden zwei Hauptpreise (10.000 und 6.000 britische Pfund) vergeben. Der erste Preis ging an Angela James (Vereinigtes Königreich), den zweiten Preis erhielt Tarja Rajakangas (Finnland). Der dritte Preis ist ein Preis nach dem Quorum des Studenten der Universität Oxford (500 britische Pfund). 2022 bekam den Oxford University Student’s Award Begoña Cabero Diéguez aus Spanien.

Weitere 25 Teilnehmerinnen und Teilnehmer erhalten Silberpreise. Die Ausstellung wird von einem  Katalog begleitet. Designer Bookbinders ist eine der weltweit führenden Gesellschaft zum Genre. Sie wurde vor über 50 Jahren gegründet und hat sich dem Handwerk des modernen Buchbindens und der Buchkunst verschrieben. Die ausgezeichneten Exponate werden nacheinander in Oxford, London und Edinburgh gezeigt.

Weston Library, Bodleian Libraries
7. Juli bis 18. September 2022
Broad Street, Oxford OX1 3BG
www.bodleian.ox.ac.uk

Sotheby’s, London
21. bis 29. September 2022
Kiddell Gallery, 34–35 New Bond Street, London, W1A 2AA
www.sothebys.com

University of Edinburgh
4. November 2022 bis 25. Februar 2023
Main Library Gallery, George Square, Edinburgh, EH8 9LJ
www.ed.ac.uk

(Maria Bogdanovich)

An die wunderbare Schriftgestalterin Hannelore Heise (1941–2021) erinnerte in diesem Sommer eine Ausstellung im Stadtarchiv Halle, die nur noch wenige Tage (bis zum 1. September) zu sehen ist. Geboren in Ostpreußen, studierte Heise bis 1966 an der halleschen Kunsthochschule und war nach freier Tätigkeit von 1980 bis 2010 als Dozentin und Lehrbeauftragte in der Grundlagenlehre und im Lehrfach Schriftgestaltung tätig und prägte so Generationen von Kunststudenten. „Während ihrer eigenen Lehrtätigkeit an der halleschen Hochschule gelang es ihr auf ganz individuelle Art, das besondere Verhältnis zwischen menschlichem Maß und dem Umgang mit Schrift zu vermitteln“, so würdigt Burg-Emeritus Rolf Müller das Werk der zu Ehrenden. „Als Lehrende und zugleich immer wieder selbst Lernende trug sie mit ihrem Grundlagenfach entscheidend zum ‚guten Ruf‘ der Burg bei. Sie verstand es auf ganz eigene Weise, Formstrenge mit spielerischer Freiheit zu verbinden.“ Als freie Grafikerin gestaltete sie Spielkarten, Plakate, Signets, auch Leuchtwerbung und Verpackungen. Einen besonderen Namen machte sie sich durch die Gestaltung von Briefmarken. Ihr Entwurf der Sondermarke Gartenreich Dessau-Wörlitz wurde 2003 zur „Schönsten Briefmarke Europas“. Auch das Goldene Buch der Stadt und Urkunden der Leopoldina tragen ihre Handschrift. Das kalligrafische Schreiben wurde ihr zur Passion und zum Raum individuellen Ausdrucks – voller Freude am Experiment. Die Ausstellung wurde im Verbund mit dem halleschen Kunstverein realisiert. Ein würdiger Abschied.

(André Schinkel)

Der amerikanische Künstler und Autor Clifton Meador scheint auf eine besondere Weise druckend zu denken. Seine subtilen, oft historisch-politischen und fotografiebasierten Bücher sind im experimentellen Druck entstanden. Dabei verwendet er Dokumentarfotografien, die er auf Reisen gemacht hat, durch Bearbeitung und vor allem experimentellen Offsetdruck werden dortige Konflikte subtil sichtbar. Die Ausstellung legt den Schwerpunkt auf Meadors Künstlerbücher zu Osteuropa sowie zum aktuellen East-India-Company-Projekt, das exemplarisch Objekte des Kolonialismus fokussiert. Die Wiener Galerie Druck & Buch unter der Leitung von Susanne Padberg (Berggasse 21/2, A-1090 Wien, ganz in der Nähe des Freud-Hauses) zeigt die Arbeiten des Amerikaners vom 1. (Vernissage um 19 Uhr) bis zum 30. September 2022. Am 15.9. findet um 19 Uhr ein Künstlergespräch mit Clifton Meador statt. Die Galerie ist in der Ausstellungszeit von Montag bis Freitag zwischen 11 und 19 Uhr geöffnet.

(André Schinkel/Pressemitteilung) 

Mindestens zur alljährlichen Kamenzer Rede in St. Annen ist auch eines seiner unverkennbaren Plakate in der Lessingstadt zu sehen. Es war ein Glücksfall, dass die Künstlerin Claudia Berg im Jahre 2014 der Arbeitsstelle für Lessing-Rezeption ihren ehemaligen Lehrer und Mentor für die Gestaltung der Redenreihe empfahl! Nun gibt es in Kamenz in Form einer kleinen, ausgesuchten Sonderausstellung endlich eine persönliche Begegnung mit dem aus Halle an der Saale stammenden und lebenslang mit seiner Stadt verbundenen Helmut Brade, der als Grafiker, Grafikdesigner, Plakatgestalter, Bühnen- und Kostümbildner national und international bekannt ist.

Als Professor an der Hochschule für Kunst und Design, Burg Giebichenstein, prägte er mehrere Generationen von Künstlern und Künstlerinnen. 1999 bis 2003 war er Präsident der Freien Akademie der Künste zu Leipzig; seit nunmehr einem halben Jahrhundert ist er für internationale Theater und Opernhäuser tätig. Sein jüngstes und großartiges Bühnenbild ist derzeit in der Semperoper erlebbar – in Peter Konwitschnys Inszenierung Die Nase, einer Oper, die der erst 22-jährige Dmitri Schostakowitsch 1928 nach Gogols sozialkritischer, sarkastisch-absurder Erzählung komponierte.

Helmut Brade hat Wiedererkennungswert. Seine Arbeiten sind einzigartig, phantasievoll, stecken voller Fabulierlust, sind hintersinnig und inspirierend. Verzeichnet sind aktuell 749 Plakate für Opern, Museen, Kinos und Theater, darunter auch zu Lessings Emilia Galotti (Tübingen 1983) und Minna von Barnhelm (Halle 2001). Für besondere Anlässe schreibt er gern einmal Requisitenbriefe, zeichnet Buchstaben, schreibt in schöner, schwungvoller Form Texte und Gedichte auf altes Kanzleipapier oder versammelt gemeinsam verschiedenste Tiere zeichnerisch und in Form eines Alphabets ‚zu einer angenehmen Gesellschaft‘.

Als schwungvoller Start in den Arbeitstag entsteht im Bradeschen Atelier auf dem Hohen Weg in Halle in der kalten Jahreszeit so mancher Einstrich-Lessing. Mal zart und tastend, mal breit und kräftig, mal schwungvoll und kreiselnd – seine Linie spiegelt jede kleinste Hand- und Gemütsbewegung ihres Schöpfers wider. Kein Wunder, dass Helmut Brade sich zeitlebens besonders der Geisteskultur und Kunst des asiatischen Kontinents verbunden fühlt, stellt doch die kalligrafische Beherrschung der Linie und der Schriftzeichen in vielen fernöstlichen Kulturen die Grundvoraussetzung für jede bildkünstlerische Betätigung dar. Das Schreiben, oder besser: Zeichnen, mehrerer Buchstaben ohne abzusetzen erfüllt hier ebenso eine wichtige Rolle wie der meditative Charakter der Handbewegungen und die Beschränkung auf das Wesentliche der Darstellung.

Die Teekultur, die er auf seinen vielen Reisen durch den asiatischen Kontinent kennen- und schätzen gelernt hat, verbindet ihn eng mit dem ebenfalls aus Halle stammenden Martin Möhwald. Der 1954 geborene Sohn der Bildhauerin und Keramikerin Gertraud Möhwald und des Malers Otto Möhwald hat im Laufe seiner Karriere als Keramikkünstler eine ganz eigene Form der Umdrucktechnik erschaffen: In einem aufwendigen Verfahren bringt er dabei grafische Vorlagen auf seine Keramiken auf und brennt sie bei über 1.000 Grad in deren tönerne Gewandung ein. Besonders gern verwendet er die papiernen Fragmente seines Freundes Brade für Teekannen, Tassen und Schalen. Mitunter finden diese ihren Weg auch wieder zurück ins Bradesche Atelier und dienen etwa dazu, seinen Gästen erlesenen Tee zu servieren, sicherlich in Erinnerung an das alte japanische Sprichwort: „Eine Tasse Tee anbieten, öffnet die Welt!“

Die Ausstellung, die am 3. August in der Galerie des Sakralmuseums (Klosterkirche und Sakralmuseum St. Annen, Schulplatz 5, 01917 Kamenz) eröffnet wurde, ist bis zum 11. Dezember in der Lessing-Stadt zu sehen. Montag bis Freitag ist die Schau jeweils von 10 bis 18 Uhr, am Wochenende von 11 bis 16 Uhr geöffnet. Der Katalog zur Exhibition, Helmut Brade in Kamenz, gestaltet vom Meister selbst und Andreas Richter, befindet sich im Druck und erscheint mit Texten von Claudia Berg, Sylke Kaufmann, Birka Siwczyk und Johannes Schwabe als Band 15 der Reihe Ausstellungskataloge des Lessing-Museums Kamenz in Kürze.

(Städtische Sammlungen Kamenz, Arbeitsstelle für Lessing-Rezeption/Pressemitteilung)

„Holzschnitt. 1400 bis heute“ bildet den Auftakt zu einer neuen Reihe von Ausstellungen des Berliner Kupferstichkabinetts, die jeweils eine künstlerische Drucktechnik vorstellen. Anhand von über 100 Kunstwerken auf Papier – darunter Meisterwerke von Albrecht Dürer, Edvard Munch oder Käthe Kollwitz – wird die Entwicklung der Technik von ihren Anfängen bis in die Gegenwart nachgezeichnet. Ebenso stehen Materialien und besondere Charakteristika im Zentrum. Besucher*innen sind eingeladen, in die faszinierend vielfältige Welt der Druckgrafik einzutauchen. Am 3. Juni eröffnet, ist die Exhibition noch bis zum 11. September zu sehen.

Am Anfang steht der Holzschnitt. Er ist das älteste druckgraphische Verfahren und wird bis heute von Künstler*innen weltweit angewandt. Die Sonderausstellung zeigt eine abwechslungsreiche Auswahl von über 100 Werken aus dem reichhaltigen Bestand des Kupferstichkabinetts. Sie spannt den Bogen von den frühen und oft nur in wenigen Exemplaren erhaltenen Holzschnitten des 15. Jahrhunderts bis hin zu großformatigen zeitgenössischen Werken. Entlang dieser chronologischen Achse richtet sich der Blick auf verschiedene Themen, wie das Zusammenspiel von Material und Technik oder den Gebrauch von Holzschnitten. Dieser reicht von der christlichen Andacht mit Heiligenbildern über Kartenspiele, Verzierungen in spätgotischen Holzkästchen und beeindruckenden Raumdekorationen bis hin zur Buchillustration, zum Flugblatt oder zur Gemäldereproduktion. Neben der ganz praktischen Verwendung entstanden Holzschnitte auch als eigenständige Kunstwerke für Sammler. 

Besondere Aufmerksamkeit ist der Entwicklung des Farbholzschnitts eingeräumt, denn in allen Epochen suchten die Künstler*innen nach Möglichkeiten, bunte Drucke herzustellen. Dies führte bisweilen zu völlig unerwarteten Ergebnissen. So sind handbemalte Abzüge von 1460 ebenso ausgestellt wie die ersten farbigen Drucke von Hans Burgkmair und Lucas Cranach d. Ä., die um die Erfindung dieser Technik wetteiferten. Demgegenüber sind auch mehrfarbige Chiaroscuro-Holzschnitte des 16. Jahrhunderts aus Italien und den Niederlanden zu sehen, extravagante Farbdrucke des Rokoko und mit über 20 Farbplatten hergestellte Blätter des 20. Jahrhunderts, die, inspiriert von japanischen Holzschnittmeistern, eher an Aquarelle als an Holzschnitte erinnern. 

Um 1900 entdeckten Expressionisten wie Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde oder Karl Schmidt-Rottluff in der Nachfolge Paul Gauguins den Holzschnitt für sich ganz neu. Ihnen erschien die Technik als Ausdruck einer neuen Ursprünglichkeit, und sie schufen Meisterwerke in reduzierter Formensprache. Überraschend ist, in welcher Vielfalt sich Künstler*innen auch in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts noch mit der Technik beschäftigten: Die Ausstellung zeigt abstrakte Kompositionen von Helen Frankenthaler, Hans Hartung oder Esther Fleckner ebenso wie figurative bis fotorealistische Werke von Anselm Kiefer, Georg Baselitz oder Franz Gertsch.

Gerade zeitgenössische Positionen, die zwischen dem Anspruch eines Unikats und dem reproduktiven, massenmedialen Charakter des Mediums oszillieren, bereichern die Präsentation. So werden die überraschende Fülle und die andauernde Aktualität dieser Drucktechnik vor Augen geführt. Ein besonderes Highlight bilden Druckstöcke verschiedener Epochen aus dem Bestand des Kabinetts, die erstmals in größerer Zahl gezeigt werden und das Material sinnlich erfahrbar machen. Ein umfangreiches Rahmenprogramm begleitet die Ausstellung. Ein Katalog erschien im Hatje Cantz Verlag. Die Ausstellung (barrierefreier Zugang über den Eingang Matthäikirchplatz, 10785 Berlin) ist von Dienstag bis Freitag von 10 bis 18 Uhr, am Wochenende von 11 bis 18 Uhr geöffnet. Der Eintritt beträgt 6 (ermäßigt 3) Euro. Jahreskarten für das Kupferstichkabinett kann man für 25 Euro erwerben.

Holzschnitt. 1400 bis heute
Kunstwerke aus sechs Jahrhunderten
im Kupferstichkabinett der
Staatlichen Museen zu Berlin
Matthäikirchplatz, 10785 Berlin
03.06. bis 11.09.2022

(Staatliche Museen zu Berlin/Pressemitteilung)

Auf eine Rauminstallation in Bezug auf ein Gedicht von Hilde Domin (1909–2006), die noch einige Tage in der Kirche St. Johannis in Würzburg zu sehen ist, sei an dieser Stelle verwiesen. Mit „Den Atem anhalten“ bezieht sich in einer dreiteiligen Arbeit die Fotografin Nicole Ahland, die in Wiesbaden lebt und arbeitet, auf Domins berühmtes Gedicht Ziehende Landschaft, das 1955, noch im etwa siebenjährigen Pendeln zwischen Spanien und Deutschland, das dem langen Exil der Dichterin in der Dominikanischen Republik folgte, entstand.

„Man muß weggehen können / und doch sein wie ein Baum:“ Domins Gedicht gehört zu den berührendsten Beispielen der Exilliteratur nach dem Zweiten Weltkrieg. Hilde Domins Werk wurde erst spät gewürdigt, heute gehört es mit Sammlungen wie Nur eine Rose als Stütze (1959), Hier (1964) oder Ich will dich (1970) zum klassischen Bestand der Literatur der Bundesrepublik Deutschland. Jedes Jahr im Juli lädt die Würzburger Gemeinde eine Künstlerin oder einen Künstler ein, ist die Kunst in der Kirche zu Gast, als Anlass, den Blick vier Wochen neu auszurichten, den Impuls an den vier Sonntagen auch in den Gottesdiensten aufzugreifen. Die Kunst setzt somit ein Monatsthema für Liturgie und Predigt.

Die Arbeit, die sich in der Apsis der Kirche findet und ihren Ausgang in Ziehende Landschaft fand, darf als besonderes Beispiel der Auseinandersetzung von Bildender Kunst mit Literatur gelten, die in der Tätigkeit, auch in den Büchern und Dokumentationen der vielfach geehrten Fotografin immer wieder ihren Niederschlag fand. Das Kunstwerk besteht aus drei dünnen Aluminiumbahnen, auf die Nicole Ahland auf Fotografien basierende Motive applizierte. Die Künstlerin assoziiert, dem Text folgend, einen bedrohlichen Wolkenberg (Bahn 1, links), eine abstrahierte Röntgenaufnahme einer menschlichen Lunge aus den 1940er Jahren (Bahn 2, Mitte) sowie eine Verschachtelung von Innen- und Außenraum mit farbigen Lichtspuren (Bahn 3, rechts).

Mit einer Gesamtgröße von etwa 1,90 m x 4,50 m hängt das Werk an der linken Flanke der Apsis und fängt das Licht, das rechts der Apsis durch große schmale Fenster einfällt. Über den Tagesverlauf, in Veränderung von Lichteinfall und -menge, ist die Motivik mal mehr, mal weniger deutlich zu erkennen. Die silbrige Oberfläche des Aluminiums entwickelt hier ihr eigenes Lichtbild-Spiel. „Laut Rückmeldung der Besucher*innen“, so die Künstlerin, „scheinen die Motive sich eher abstrakt und lichtauflösend zu verhalten, die wenigsten erkennen die Bilder tatsächlich und entwickeln eigene Assoziationen und Erinnerungen. Das ist für mich total in Ordnung, da ich ja auch nichts illustrieren möchte. Diese dadurch sich einstellende Offenheit gefällt mir eher.“

Die Installation ist auf jeden Fall bis zum 31. Juli zu sehen. Da die Künstlerin aber den Abbau des Werks wohl erst für den 4. oder 5. August einplant, sollte es auch bis dahin zu besichtigen sein. Die Würzburger St.-Johannis-Kirche hat jeden Tag von 8 bis 18 Uhr geöffnet.

(André Schinkel)

Noch bis zum 28. August 2022 ist die Ausstellung zum Pleinair „Das Höchste ist das Verständlichste“, für das sich Ende September/Anfang Oktober 2021 fünf Künstler*innen aus Höhnstedt, Halle (Saale), Chemnitz und Aschaffenburg im Novalis-Schloss Oberwiederstedt trafen, um im Vorblick auf den 250. Geburtstag Friedrich von Hardenbergs, dessen Hymnen an die Nacht wie auch sein Romanfragment Heinrich von Ofterdingen unter seinem Dichter-Pseudonym weltberühmt wurden, sich mit seinen Texten, seiner Philosophie sowie der Landschaft seiner Herkunft zu befassen, im Spengler-Museum in Sangerhausen zu sehen.

Für das Pleinair gründete sich eine Künstlergruppe, bestehend aus Andrea Ackermann, Bettina Haller, Tatjana Skalko-Karlovski, Susanne Theumer und Frank Eißner. Es entstanden an vielen bedeutsamen Plätzen eine Vielzahl von Kunstwerken, die sich oft direkt mit diversen Textstellen und Lebensdaten in Beziehung setzten: Radierungen, Aquarelle, Farbholzschnitte, Zeichnungen und Gemälde. Orte der Auseinandersetzung waren neben Oberwiederstedt selbst Halle an der Saale, Weißenfels und – wohl für alle Beteiligten am eindrücklichsten – die Familienhalden von Welfesholz, dessen Name untrennbar mit der frühdeutschen Geschichte und der Blüte des Mansfelds als Salz- und Kupferland verbunden ist.

Das Pleinair, gefördert von „Glück auf! Wohin?“, organisiert von Susanne Theumer und betreut von Vertretern des Landkreises Mansfeld-Südharz, zeitigte eine gleichnamige Wanderausstellung, die nach Stationen im Novalis-Schloss selbst, im Sangerhäuser Landratsamt und im Künstlertreff „Café Krem“ in Aschaffenburg nun in die Rosen- und Einar-Schleef-Stadt zurückkehrt. Mit dem Spengler-Museum, für seine atemberaubenden Sammlungen bekannt, wurde ein hochwürdiger Ort gefunden, die Resultate der Künstlergruppe zu präsentieren.

Das Spengler-Museum befindet sich ganz in der Nähe des Sangerhäuser Bahnhofs und ist täglich außer montags von 13 bis 17 Uhr geöffnet. Und auch eine fünfte und wohl auch letzte Station der Schau steht schon fest – ab dem 1. September wird „Das Höchste ist das Verständlichste“ in den Räumen der KZ-Gedenkstätte Wansleben am See zu sehen sein.

(André Schinkel)